10 ans kunsthalle messmer: une vie pour l’art

20 juin 2019 – 15 septembre 2019

Á l’occasion du 10e anniversaire du kunsthalle messmer, une rétrospective présentera le cœur de la collection Messmer – le domaine de l’artiste André Evard d’une manière sans précédent. Dans l’exposition, des œuvres sélectionnées des différentes périodes de la création suisse sont présentées.

André Evard, Kirschbaum, 1911 © messmer foundation

Outre des images sensibles de l’Art nouveau et des représentations de paysages riches en couleurs, illustrant l’engagement d’Evard face aux influences de la scène artistique de son temps, des natures mortes symbolistes sont montrées, qui prouvent leur position de pionnier dans la peinture abstraite en se tournant vers la géométrie de l’espace. Dernier point mais non le moindre, ses travaux concrets constructifs sont également visibles.

 

 

André Evard était un esprit universel. Il a enrichi l’art de L’avantgarde avec ses propres idées en près de 70 ans. Sans être attaché à un style, il a poussé la peinture à ses limites.  

 

 

 

André Evard (1876 – 1965)

Né en 1876 dans le Jura bernois, André Evard se caractérise tout au long de sa vie par le fait qu’il était un peu en avance sur ses collègues artistes. Déjà en 1908, il abordait des techniques expérimentales, telles que le collage, qui ne devait pénétrer dans le paysage artistique que des années plus tard. Il a appris aux côtés de grands artistes tels que Le Corbusier. Dans les années 1920, Evard s’oriente vers Paris, fief artistique de l’époque et maintient des liens avec l’avant-garde européenne. Bien que la plupart d’entre eux soient enclins à l’expressionnisme, Evard conçoit des œuvres constructives au look ornemental et aux couleurs équilibrées. Cependant, non seulement le constructivisme et le suprématisme, mais aussi le mouvement néerlandais De Stijl et le Bauhaus entrent dans son art. Il reste en contact avec Georges Braque, Robert Delaunay et Théo van Doesburg. En 1936, il expose avec Max Bill, Richard Paul Lohse et Leo Leuppi, les problèmes de temps de la peinture et de la sculpture suisses dans l’exposition de Zurich. Un an plus tard, Evard rejoint le groupe d’artistes Allianz, fondé par Richard Paul Lohse et Leo Leuppi, en tant que dixième membre. Outre Max Bill, Alberto Giacometti, Paul Klee et Hans Arp, ce cercle comprend également Le Corbusier. Evard décède en 1972 à l’âge de 96 ans à Le Locle, près de son lieu de naissance.

 

 

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< 100 ans de bauhaus

max bill, jakob bill, david bill:
trois générations en comparaison

23 février 2019 – 14 juin 2019

Avec Max, Jakob et David Bill, trois générations d’une famille d’artistes viennent à la kunsthalle messmer. En l’honneur du 100e anniversaire du Bauhaus, environ 90 œuvres au total seront exposées, qui, malgré la même direction artistique à laquelle les trois artistes se sont consacrés, abordent l’art concret de différentes manières et cherchent et montrent chacune une approche individuelle de celui-ci.

Max Bill (1908 – 1994), l’un des représentants les plus importants de l’art concret et constructif, place les paradigmes scientifiques et les formules mathématiques dans un contexte artistique strictement construit. Les enseignements de l’école du Bauhaus, où il a étudié entre 1927 et 1928, devaient façonner son parcours créatif jusqu’à nouvel ordre. Dans son travail, des éléments d’architecture, de design ainsi que d’arts plastiques et appliqués sont combinés pour former un jeu harmonieux. En 1951, Max Bill fonde avec Otl Aichinger et Inge Scholl la HfG Ulm, pour laquelle il conçoit lui-même le bâtiment et en est le recteur fondateur. Le fils de Bill, Jakob Bill (*1942), a repris l’approche scientifique et théorique de l’art de son père, mais a pris des chemins complètement différents dans son œuvre et s’est concentré entièrement sur la peinture. Ses œuvres sont basées sur un canon géométrique de formes aux dégradés de couleurs apparemment éthérés, ce qui est caractéristique de son œuvre. Son petit-fils David Bill (*1976 – 2018) se concentre sur l’examen de l’espace et sa division. Les surfaces et les objets sont assemblés en variables de forme toujours nouvelles, séparés et réassemblés. Le point central de ses considérations est toujours le cube. Outre le génie universel Max Bill, le messmer de la kunsthalle expose son fils Jakob Bill et son petit-fils David Bill, présentant ainsi un développement de la création artistique qui s’étend sur plusieurs générations.

Bauhaus
Le Bauhaus a été ouvert à Weimar en 1919 par Walter Gropius. L’école de design devient la plus influente de son temps. En 1925, le Bauhaus s’installe à Dessau, puis à Berlin, où il est fermé par les national-socialistes. Le Bauhaus a été conçu pour servir l’esthétisation de la vie quotidienne et pour créer une relation privilégiée entre l’art, l’architecture, le design et l’artisanat. Bien que « Bauhaus » ait été repris par chaque génération, le mot « style Bauhaus » est devenu un terme fixe dans l’architecture, la peinture et le design. Le Bauhaus se caractérise par l’utilisation de formes de base telles que des carrés, des triangles, des cercles et les couleurs de base rouge, jaune et bleu, ainsi que des meubles en tube d’acier et une architecture en cube blanc. Le fonctionnalisme est le principe directeur du Bauhaus : la forme suit la fonction.


David Bill : 4 saisons, 30 x 3 x 30 cm, tôle d’acier et peinture, 2017.© messmer foundation

Cliquez surici pour lire le discours d’ouverture du Dr Antje Lechleiter. 

Cliquez surici lire le discours d’ouverture de l’administrateur de district Hanno Hurth.

5ème PRIX INTERNATIONAL D’ART ANDRÉ EVARD

pour l’art constructif concret

03.11.2018 – 17.02.2019

Kunsthalle messmer décernera pour la cinquième fois l’un des prix d’art les plus importants au monde dans le domaine de l’art concret constructif. Les 100 œuvres sélectionnées fournissent un aperçu des travaux actuels et internationaux de la scène de la construction concrète. L’exposition présente un tableau de divers médias et langages formels, qui se réunissent sous le patronage du concret-constructif. Cette exposition montre clairement à quel point les artistes ont traité la même direction artistique de manière différente, individuelle et personnelle.

André Evard, Le Couvert, 1924

Un jury d’experts renommés sélectionnera le gagnant du prix hautement doté. Il est composé du collectionneur et fondateur du musée Marli Hoppe-Ritter de Waldenbuch, de Sabine Schaschl, directrice et conservatrice principale du Museum Haus Konstruktiv à Zurich, et d’Ewald Karl Schrade, galeriste et initiateur d’Art Karlsruhe. Le prix de 10 000 euros sera partagé entre les artistes des trois œuvres les plus convaincantes de l’exposition et un prix du public sera également décerné.

Les lauréats du 5ème prix international d’andré evard 2018 sont:

1ère place: Rüdiger Seidt (D) 5.000 €


Rüdiger Seidt, Circletetra, 2018

2e place: Antonio Marra (I) 3.000 €


  Antonio Marra, Die Weisheit der Seegurken, 2018

3ème place: Christiane Grimm (D) 2.000 €


Christiane Grimm, Shades of blue, 2018.

Les places 4 à 8 sont allées par ordre décroissant vers Werner Dorsch (D), Mariano Ferrante (ARG), Laszlo Otto (HUN), OMI Riesterer (D) et Christian Rudolph.

Le prix du public est allé à Antonio Marra. (Le gagnant du tirage au sort sera annoncé par nous)

ARTISTES PARTICIPANTS 2018:

Dédié au prix de l’art André Evard (1876-1972), considéré comme un pionnier du modernisme suisse et qui s’est consacré de son vivant non seulement à la peinture figurative, mais surtout à la géométrie abstraite.

Le terme constructif, dérivé du constructivisme des constructions en relief de Vladimir Tatlin et des œuvres suprématistes de Kasimir Malevich (1914), désigne une peinture et une sculpture abstraites et non objectives. La ligne, la surface et la couleur sont utilisées librement. Concrètement, la méthode de travail d’un artiste, qui décrit son travail selon un ordre prédéterminé, par exemple le concept géométrique-mathématique et fixe ainsi les limites de l’action créatrice spontanée. Au sens vrai, il n’est pas « abstrait », car il n’abstruit rien de ce qui existe dans la réalité matérielle, mais matérialise au contraire le spirituel, n’a pas de sens symbolique et est produit plus ou moins purement par construction géométrique. Le terme Art concret a été introduit en 1924 par Theo van Doesburg et défini par programme en 1930 dans un manifeste lors de la fondation du groupe « Art concret ».

Dalí – La magie du génie

Dalí – La magie du génie

02.06.2018 – 28.10.2018

Salvador Dalí, girafe de Saturne, 1974, gravure à la pointe sèche sur lithographie couleur avec gaufrage ©messmer foundation

Salvador Dalí (1904-1989) est sans conteste l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Aujourd’hui encore, l’Espagnol impressionne par ses œuvres surréalistes, imaginatives et souvent énigmatiques et est vénéré comme un génie, même de son vivant. Le messmer de la kunsthalle consacre à l’artiste une grande exposition d’une qualité exceptionnelle, avec 150 œuvres de grande qualité jamais montrées auparavant dans cette région.

De nombreux motifs typiques de Dalí se retrouvent dans des gravures sur bois gracieuses et colorées, des représentations photoréalistes dans le style des maîtres anciens ou même dans des études surréalistes de la nature, qui montrent non seulement la lecture de Dalí, mais surtout son talent exceptionnel de peintre et dessinateur. L’artiste n’avait pas non plus peur des différents matériaux, il a donc créé des sculptures en bronze, en laiton et en plexiglas, qui font également partie de l’exposition.

Dalí n’est pas seulement un artiste exceptionnel, les histoires et les légendes de sa personne le rendent spécial. Dès l’âge de quatorze ans, Dalí attire l’attention de plusieurs critiques d’art importants avec sa première exposition personnelle. Toutefois, il a quitté l’Académie royale des Beaux-Arts en 1924 sans examen, car il n’a pas considéré ses professeurs assez compétents pour évaluer ses œuvres. En 1929, Dalí trouve enfin son style personnel, le monde de l’inconscient qui apparaît dans les rêves. Depuis lors, la fusion d’horloges, de béquilles et de girafes brûlantes a été le trait distinctif de sa peinture et est devenue le symbole des surréalistes.

L’exposition offre un bon aperçu du vaste travail graphique et des sculptures insolites, tout en donnant un aperçu de la vie de Dalí. La diversité et la qualité des œuvres invitent à découvrir la « Magie du Génie ». L’exposition est accompagnée d’un catalogue que l’on peut se procurer à la boutique du musée.

Otmar Alt – Les chemins de la vie

03.02.2018 – 27.05.2018

O Otmar Alt, La Rose en fleurs, 1967, acrylique sur toile, 190 x 140 cm © Fondation Otmar

L’un des artistes les plus importants et les plus polyvalents de notre époque, Otmar Alt inspire le public depuis des décennies avec son langage visuel coloré et imaginatif. La kunsthalle messmer présente environ 120 œuvres de toutes les périodes créatives de l’artiste allemand et donne ainsi un aperçu exclusif de l’œuvre complète d’Otmar Alt.

Le design particulier et souvent « puzzle » des œuvres d’Alt éveille la curiosité et invite le spectateur dans un monde fantastique qu’il est censé découvrir et interpréter individuellement avec son regard personnel. Le titre des images crée généralement un accès possible aux images et donc une marge d’interprétation.

Cette exposition retrace la vie d’Otmar Alt et surprend par l’expressivité colorée de ses puissants motifs.

Le samedi de Pâques, une visite familiale spéciale de Pâques a eu lieu pour la première fois. L’art d’Otmar Alt a été présenté de manière ludique aux jeunes visiteurs dès l’âge de 5 ans et invité à participer activement à l’art. En plus de peindre des tableaux, les petits pouvaient composer leur propre œuvre d’art à partir de pièces de puzzle et à la fin peindre leur propre interprétation de la salade de renard et de l’animal tampon.

L’équipe de la kunsthalle messmer tient à remercier les jeunes visiteurs engagés et leurs parents pour leur participation et leur grand intérêt!

Lumière et mouvement

18.11.2017 – 28.01.2018

Je vois quelque chose que tu ne peux pas voir ! Ou c’est le cas ?

La nouvelle exposition « Lumière et mouvement » à kunsthalle messmer montre à quel point sa propre perception peut être trompeuse. Ici, tout tourne autour des couleurs vives, des illusions d’optique et de l’art cinétique.

Dans cette exposition, le visiteur est plus qu’un simple observateur de l’art. Ils interagissent avec les œuvres et sont donc inclus dans l’exposition. Vivre l’art, c’est le programme ici !

Des artistes tels que Victor Vasarély, Hans Kotter, Regine Schumann, Carlos Cruz Diez, Siegfried Kreitner, Kammerer-Luka, Adriano Piu, Ludwig Wilding et bien d’autres invitent le visiteur à une perception intense, montrent ses limites et les dépassent.

Victor Vasarély (*1906, †1997, Paris) est un peintre français d’origine hongroise. Vasarély s’est d’abord consacré aux formes géométriques constructives avant de se tourner vers l’art cinétique. Plus tard, il a cofondé le style Op-Art, qui traite principalement des effets optiques tels que l’apparition du mouvement ou du scintillement et des illusions d’optique.

Regine Schumann (*1961, Goslar), également peintre et artiste lumière allemande, se concentre dans ses travaux sur les matériaux fluorescents qui déploient leur effet sous lumière noire. L’énergie lumineuse supplémentaire résulte toujours en des effets de lumière et de couleurs différents. Schumann assemble ses corps colorés selon la théorie de la couleur de Goethe, qui tente de capturer la couleur dans sa totalité. Son but : créer des « températures ambiantes ».

L’artiste allemand Hans Kotter (*1966, Mühldorf am Inn) travaille dans le domaine de la photographie, de l’art conceptuel et objet. Ses œuvres comprennent également des installations lumineuses minimalistes dans des couleurs intensément lumineuses, comme celles qui seront également présentées dans l’exposition. Au centre de son travail se trouve la relation entre la lumière, la couleur et l’espace.

De l’Italie vient un autre représentant important de l’art cinétique, le peintre et sculpteur Adriano Piu (*1954, Frioul). Déjà dans sa jeunesse, il s’est consacré à la peinture et a rapidement trouvé du plaisir à travailler sur des sculptures en métal. La combinaison de la peinture et de la sculpture peut être vue dans l’exposition à la kunsthalle messmer. Adriano Piu présente ici sa série INTERLOCUTORY MOVEMENT avec des éléments coulissants en bois. Il offre ainsi une variété passionnante de motifs représentés et permet au spectateur d’interagir avec l’art.

Les concepts de lumière, de mouvement, de couleur et d’espace sont également au centre de l’attention dans les nombreuses autres œuvres d’art, dont celles de la collection Messmer elle-même. Les œuvres exposées offrent une grande variété et des possibilités intéressantes pour percevoir l’art en général et de son propre point de vue. Non seulement visuellement, mais aussi visuellement, beaucoup de nouvelles perspectives s’ouvrent.

4e Prix international André Evard.

13.02.2016 – 24.04.2016

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Pour la quatrième fois déjà, la kunsthalle messmer annonce le Prix d’art André Evard, dédié à l’artiste suisse André Evard (1876 – 1972). Dès 1913, il peint déjà avec des abstractions géométriques. Cela fait de lui l’un des premiers artistes non figuratifs et l’un des pionniers de la peinture géométrique constructiviste suisse.

Jusqu’au 31 juillet 2015, les artistes du monde entier pouvaient poser leur candidature au Prix international Evard et plus de 750 artistesde 47 pays différents ont soumis leurs œuvres.

Dans le processus de présélection, 108 positions d’artistes différentes ont été sélectionnées, qui ont été exposées à partir du 13 février 2016 dans le cadre d’une exposition globale passionnante au messmer de la kunsthalle. Les artistes nominés se trouvent à l’adresse suivantehier

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Au cours de l’exposition, un jury d’experts de renom a désigné le lauréat du Prix international Evard.

Betty Rieckmann a gagné le prix. Le public a calculé que Bodo Sperling avait le plus de chances, alors il a gagné le prix du public.

 

 

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<4e Prix international André Evard : Les artistes nominés. >

ABERER, ILSE (DE)
ALBISSER, PAUL (CH)
ARÓSTEGUI, ROSARIO (ARG)
BACHMAYER, JENS (DE)
BACHMEIER, WALDERMAR (DE)
BAMERT, DANIEL (CH)
BARTHOLDT, REGINE (DE)
BARTNIG, HORST (DE)
BEHL, ULRICH (DE)
BENEDECK, BARNA (HUN)
BLECKMANN, GUNDULA (DE)
BÖHM, Miriam (DE)
BRANDSTETTER-HISS,GETTI (CH)
BRIELS, HELENE (NL)
BROCKMANN, ULRIKE (DE)
BUGAUD, Michel (FR)
CALAND, NATACHA (FR)
CHAPUIS, DOMINIQUE (FR)
DAETWYLER, SUZANNE (CH)
DIEHL, EDGAR (DE)
DORSCH, WERNER (DE)
EHRENHOFER, STEPHAN (CH)
ERNST, RITA (CH)
FLAKE, MONIKA (DE)
FLEPP, AFRA (CH)
FRIJNS, Tijl Orlandno (NL)
GANTNER, UELI (CH)
GINTER, Hans (DE)
GLASS, Ingo (RO)
GRIMM, CHRISTIANE (DE)
HANKEL, PETER (DE)
HÄRTL, Rudolf (DE)
HOFFMANN, GISELA (DE)
HOTTER, GERHARD (DE)
HULÍK, Viktor (SVK)
JÁSZBERÉNYI, ANRÀS (HUN)
JÁSZBERÉNYI-SZENDOFI, EVA (HUN)
JOAO, MARÍA ESTER (ARG)
JUNGHANNS, CHRISTIAN (DE)
JUSZCZYK, JAMES (USA)
KAISER, Dr. JOACHIM (DE)
KÄPPELI-VON-BÜLOW, KARIN (CH)
KIPFMÜLLER, KLAUS (DE)
KÖNGETER, UTE (DE)
KÖNIG, ULF (DE)
KOTULLA, Andreas (DE)
KOVACIC, Vesna (SL)
KUPFER, JAKOB (DE)
LAMPERT, HUBERT (DE)
LICINI, BERNHARD (CH)
LOBISCH, MECHTHILD (DE)
MALIN, BERNHARD (DE)
MARRA, ANTONIO (IT)
MARTEN, DORIS (DE)
MATSUMOTO, RURI (JPN)
MILLOTTE, PIERRE (DE)
MITTERER, GABI (AU)
MOLITOR&KUZMIN (DE/UKR)
MOSSBRUGGER, Eva (DE)
MORI, MITSUKO (JPN)
MUNOZ, MARIA (CHL)
NAVROT, KNUT (FR)
NEUMANN, HANS-CHRISTIAN (DE)
NOWACK, PETER (DE)
OGAWA, Fumiari (JPN)
OGRODNICZEK, EMANUEL (DE)
OTTERBACH, AXEL (DE)
PAMULA, JAN (PL)
PERTUSOT, AURÉLIE (FR)
PREISLER, RÜDIGER (CHL)
REITSPERGER, OTTO (AU)
RIECKMANN, BETTY (USA)
ROHLFS, AXEL (DE)
RÖHM, VERA (DE)
ROOS, HANS (NL)
ROSENBOOM, SIBYLLE M. (DE)
SANDFORT, BERNHARD (DE)
SCHLEMME, FRIEDRICH-DANIEL (DE)
SCHMIDT-OSTERKAMP, Tanja (DE)
SCHNEEBELI, ROLF (CH)
SCHOPPEL, PETER (DE)
SCHORCHT, Michael (DE)
SCHRAMM, WILHELM (AU)
SCHWAB, MATTHIAS (DE)
SEGAWA, Go (JPN)
SEIDT, Rüdiger (DE)
SHAPIRO-OBERMAIR, EKATERINA (RU)
SIEBER, RENÉ D. (DE)
SOMM, PETER (DE)
SPERLING, BODO (DE)
STEEGMAIER, HARTMUT (DE)
STILLER, MAX (DE)
STRADA, GIOVANNA (IT)
TABARY, Francis (FR)
TANGERMANN, FRANK (DE)
TEUFEN, DOMINIQUE (CH)
TINTI, VOLKER (DE)
VACHER, PHILIPPE (FR)
VIOT, JEAN-PIERRE (FR)
WACKERNAGEL, PETER (DE)
WAGNER, MICHAEL (DE)
WILDFÖRSTER, DAGMAR (DE)
WILLING, Martin (DE)
WINKLER, GUIDO (NL)
WÖLLMER, REINHARD (DE)
YIM, So-Ah (KR)
ZALAVÁRI, Joseph (HUN)
ZIELINSKI, TEZÈT THOMAS (PL)
ZINNER, BIRGIT (AU)

Picasso et les femmes

24.06.2017 – 12.11.2017

A l’occasion du 25ème anniversaire de son exposition, la kunsthalle messmer se consacre à la vie et à l’œuvre d’un des artistes modernes les plus importants : Pablo Picasso.

Né en 1881 à Malaga, en Espagne, Picasso est devenu l’artiste le plus productif et le plus riche de son temps jusqu’à sa mort en 1973. Son œuvre expressive et diversifiée comprend plus de 50 000 peintures, dessins, graphiques, collages, sculptures et céramiques. Avec Georges Braque, il est considéré comme le fondateur du cubisme.

L’exposition se concentre en particulier sur les représentations des femmes dans la vie du grand peintre, qui, en tant que muses et sources inépuisables d’inspiration, ont influencé et enrichi sa vie et son œuvre dans la même mesure.

Certaines des femmes de la vie de Picasso étaient elles-mêmes artistiquement actives et d’un talent considérable. Ils profitaient de la proximité de ce génie artistique, mais étaient toujours dans son ombre, dont ils ne pouvaient guère ou pas du tout se libérer. Ainsi, beaucoup d’œuvres de ses compagnons de vie montrent l’influence plus ou moins claire de Picasso.

Les représentations des épouses et des amants dans la vie du peintre courent comme un fil rouge à travers son œuvre artistique. L’exposition dans la kunsthalle messmer reflète de manière impressionnante le développement stylistique de sa peinture et la relation changeante avec ses épouses. Il comprend plus de 100 œuvres de Picasso provenant d’importantes collections privées et transmet d’une manière unique, au-delà de l’œuvre artistique du peintre, un regard sans précédent sur les œuvres des femmes de Picasso. Outre les peintures de Françoise Gilot, des dessins de Dora Maar et des œuvres de Sylvette David, qui a également servi de modèle à de nombreuses reprises pour le peintre et qui est elle-même aujourd’hui une artiste de renom, seront également exposés.

Christo et Jean-Claude – Objets, Dessins, Collages, Collages

28.01.2017 – 18.06.2017

L’exposition de la kunsthalle messmer se compose d’une centaine d’objets – dessins, collages, objets, graphiques et photographies – qui présentent l’évolution artistique de ces artistes exceptionnels vers des œuvres d’art toujours plus sophistiquées et sophistiquées. Il montre toutes les périodes créatives importantes, illustre et documente les méthodes de travail et couvre un large éventail d’œuvres, depuis les premières œuvres jusqu’à des projets mondialement connus tels que les « Îles entourées », le Pont Neuf, les « Parapluies » au Japon et en Californie, le Reichstag voilé à Berlin et les « Gates » à New York.

Christo et Jeanne-Claude – deux noms qui sont immédiatement et indissociablement liés dans notre mémoire à une œuvre unique ! L’artiste américain de renommée mondiale, né en 1935 à Gabrowo, en Bulgarie, continue d’inspirer avec ses projets artistiques spectaculaires et extrêmement ambitieux, dans lesquels il transforme toujours des idées merveilleusement folles en réalité avec beaucoup de charme, d’esprit et un esprit analytique pointu. Les expériences artistiques uniques et formatrices, le plus souvent présentées en plein air, restent ancrées pendant des décennies dans la mémoire artistique collective d’une société entière.

Le couple d’artistes finance lui-même ses projets et permet aux visiteurs d’y participer gratuitement. Les œuvres d’art temporaires, que l’on ne peut admirer que quelques jours ou quelques semaines, se perpétuent à travers dessins, photos, collages et éditions et restent ainsi intactes au-delà de la durée du projet.

Au début de sa carrière, Christo a surtout attaché des objets du quotidien avec de la ficelle, du papier, du tissu et du ruban adhésif – sa réponse critique à l’exagération iconique des produits commerciaux propagés par les artistes du Pop Art et à l’esthétique des emballages de notre société qui recherchent toujours plus la perfection. Cependant, il serait trop unidimensionnel pour réduire ses œuvres à de simples critiques des consommateurs. Il s’agit plutôt d’expériences et de jeux avec l’esthétique d’un objet voilé, d’un bâtiment ou de parties d’un paysage temporairement cachées au regard du spectateur, mais qui sont toujours reconnaissables dans leurs contours et restent donc une mémoire d’eux-mêmes.

Exposition d’Etat « schul. kunst_zeich(n)en » Baden-Württemberg

02.12.2016 – 22.01.2017

Centre des Beaux-Arts et du Design Intermédiaire ZKIS au Landesinstitut für Schulsport, Schulkunst und Schulmusik en coopération avec kunsthalle messmer.

Dessin_Danse Fig. 1 © ZKIS, Thomas Putze

Le dessin est le premier moyen de communiquer. Avant même qu’un enfant puisse communiquer linguistiquement, il peut s’exprimer par le « dessin » et les « signes ». « Dessiner » est une approche unique pour représenter et expliquer le monde. Le dessin est aussi une expression de la diversité créative et un moyen formel de transport de contenus.

Dessin » et « Dessin » permettent de communiquer là où le langage et l’échange verbal ne sont pas, pas encore ou plus possibles. C’est pourquoi, à juste titre, le « dessin » fait partie de la mission éducative de l’école, dans laquelle l' »art du dessin » est enseigné aux élèves dans les cours d’art.

Dans les magnifiques salles de la kunsthalle messmer, des œuvres sélectionnées d’élèves de tous les types d’écoles de toutes les expositions d’art scolaires régionales des 21 bureaux des écoles publiques ont été présentées. La variété créative des expositions valait la peine d’être vue.

En outre, « Hello World », une première mondiale, a été présentée dans laquelle un smartphone peut être utilisé pour dessiner dans un espace virtuel et créer une sculpture en trois dimensions.